Tanto en el diseño como en la vida, como hemos visto en otras muchas ocasiones en los artículos que suelo escribir, la simplicidad suele ser la mejor forma de solucionar todos nuestros problemas. Ante las dinámicas y problemas complejos a los que nos enfrentamos, ya sea a escala personal como global, tender a lo esencial nos hace ver las cosas de manera más clara, aunque en muchos casos la cantidad de información y el interés por enturbiar los canales de comunicación no ayudan precisamente a que simplificar sea tan sencillo.
Como la vida, el diseño en la industria de la telefonía presenta una paradoja entre la complejidad y la simplicidad. Aparentemente los móviles tienden a ser más sencillos visualmente. Pantalla táctil completa, sin botones de navegación, sin batería extraíble, sin teclado… Incluso podría decirse que simplificaron dispositivos mucho más allá de un móvil: calculadora, cámara, mapas, enciclopedia y diccionario, todo integrado. Sin embargo, todos los procesos que permiten esa aparente simplificación de su estética se produce gracias a tecnología interna mucho más compleja que los teléfonos antiguos. Y a su vez, han contribuido a la construcción de un momento histórico especialmente complejo.
Mobile phone screen mockup digital device
Pero antes de llegar a este punto, los teléfonos móviles presentaban unas características muy diferentes, que han llegado a formar parte del imaginario colectivo. Hablo, como no, del mítico Nokia 3310.
¿Connecting people? Ya lo creo yo que sí.
El Nokia 3310 es este teléfono ladrillo que tenía el padre de todo el mundo, lanzado en el año 2000. Es uno de los primeros móviles en popularizarse en todo el mundo, ya que el abaratamiento de los costes gracias a la simplificación de este tipo de productos y la globalización permitieron que mucha más gente pudiese acceder a ellos.
Es un móvil que por lo visto pesa 133 gr (aunque hay gente que afirma que su peso era mucho mayor), con una pantalla de 84 x 48 píxeles. Los móviles de ahora suelen ser 1080x1920px (algunos incluso más), lo que significa que es especialmente PEQUEÑA. Se trata de una pantalla monocromática, con textos e iconos en color negro y un fondo verde.
Este tipo de pantallas era popular en los primeros aparatos portables de finales del siglo XX, se trata de una pantalla de matriz de puntos LCD, como en el caso del Tamagotchi (1996) o la Game Boy (1989).
Este tipo de pantallas está formada por una rejilla de píxeles, en las que se van encendiendo distintos puntos a lo largo de la pantalla que dan la sensación de crear una imagen o textos completos. Los píxeles, aunque de pequeño tamaño, en la pantalla del Nokia y estas consolas se aprecian visiblemente, lo que da lugar a una estética muy identificativa, puesto que tanto las tipografías como las imágenes tienen que estar formadas por pequeños cuadrados en un solo color.
La secuencia de cuadrados es interpretada por el cerebro como una imagen completa, a pesar de la simplificación al máximo de la imagen. Gracias a los impedimentos técnicos de estas pantallas, los diseñadores de estos dispositivos tuvieron que crear imágenes que pudiesen adaptarse al pequeño tamaño, y ser fácilmente identificables a pesar de eso. En mi artículo sobre el diseño de Pikachu hablé de este tema, ya que el diseño de los primeros personajes de Pokémon tuvo que adaptarse a estas características, como de otros tantos videojuegos.
Me parece muy interesante este tipo de diseño porque juega con la imaginación de las personas y con el resto de materiales más allá de la pantalla, que muestran a los jugadores cómo deben imaginarse a los personajes o los efectos del videojuego, aunque no sea lo que están viendo realmente. Por ejemplo, en el caso del videojuego Super Mario Land (1989), fijaos en la diferencia entre el diseño del juego in game con la portada con el arte promocional.
Aunque surgió como una manera de simplificar, actualmente hay artistas que crean obras increíblemente complejas utilizando este mismo sistema de creación de imágenes a través de píxeles o puntos, el pixel art, como en el caso del videojuego español Blasphemous (2019), que tiene una estética relacionada con la imaginería de la religión católica (con dirección creativa de Enrique Cabeza), o artistas como @tofupixels.
Algo parecido ha ocurrido con las tipografías, actualmente hay artistas y diseñadores de fuentes que crean fuentes con formas y curvas complejas con estética bit map, que además dan un resultado estético que me alucina, como esta de la diseñadora Morgane Vantorre.
Arthemys Display Bitmap (Morgane Vantorre)
Dentro del diseño del Nokia destacaban los distintos iconos que acompañaban a los menús, favoreciendo su comprensión. Este tipo de recursos se ha usado y se sigue utilizando frecuentemente en señalética, aplicaciones informáticas y en los teléfonos actuales, llegando incluso a no tener ni texto que acompañe a las imágenes, que ya lo significan todo por sí mismas. En este punto es importante jugar con los conocimientos previos que ya tengan las personas que van a utilizar el dispositivo. El Nokia 3310 fue el primer móvil de mucha gente y podían no estar del todo familiarizados con este tipo de comunicación a través de puros iconos, por lo que contribuyó a educar al usuario dentro del entorno digital a través de un nuevo lenguaje. Además, ya en este momento se podía personalizar la pantalla de inicio, escogiendo entre varios diseños con el mismo estilo (al igual que ahora podemos escoger de fondo de pantalla incluso nuestras propias imágenes).
La mítica intro de las manos de Nokia no aparecía en este móvil, parece ser (según la información que he consultado) pero os voy a dejar el diseño en pantalla verde porque me encanta:
Respecto al teclado del dispositivo, hay que tener en cuenta que lo importante en estos teléfonos era llamar, por lo que se da importancia al teclado numérico. Sin embargo ofrece, simplificando el teclado, una manera de escribir texto (para los momentos puntuales en los que se requería este recurso, para escribir un SMS, por ejemplo).
También presenta otros 3 botones con funciones diferentes: un botón central en color azul utilizado para las respuestas afirmativas (es decir, continuar hacia delante, aceptar el menú que se está eligiendo…), un botón de retroceso (para cancelar una acción o volver hacia atrás) y una cruceta de navegación.
Me llama la atención justo la cruceta de navegación en diagonal. Mientras algunos dispositivos, como, por ejemplo, la Game Boy o la Nintendo DS tenían 4 posiciones en forma de cruz (arriba, abajo, izquierda y derecha), en este móvil utilizaron la curvatura de la pantalla para incluir dos posiciones de navegación que significan las 4 posiciones a la vez, ya que solo es posible avanzar hacia delante o hacia atrás (ya esté posicionado arriba, abajo, al centro o para dentro).
Los juegos. Solo quería mencionar el SnakeII porque utilizando los pocos recursos que tenía el móvil te podía mantener enganchado durante bastante tiempo. En este caso se utilizaba el teclado numérico para mover la serpiente hasta la distintas posiciones, ya que la “cruceta” de navegación es incluso más simple de lo que requería este juego.
Toda la iconografía asociada a este teléfono ha llegado a formar parte del inconsciente colectivo, siendo un auténtico icono del diseño cuyos elementos son utilizados por diseñadores e ilustradores. La simplicidad y vuelta a lo original son una manera de dar frescura dentro de este mundo hiperconectado, volviendo a un pasado supuestamente mejor a través de la nostalgia.
El caso es que no hagáis caso a este artículo, porque escribir en este móvil era la hostia de complicado, y lo de que cualquier tiempo pasado fue mejor es una patraña.
¡Espero que os haya gustado y nos vemos en el siguiente post!
En las últimas semanas no hemos parado de oír la última polémica de los bailes de Aitana en sus conciertos de esta nueva gira «Alpha Tour».
Hipersexualización, atrevida, bailes subidos de tono, poses del Kamasutra, escenificación del coito, desafiante, entre otras, son las definiciones que nos encontramos en diferentes medios tras su primer concierto en Valencia de su gira «Alpha Tour» sobre su coreografía, sobre todo en su nuevo tema «Miamor». Muchos la comparan con Miley Cyrus cuando salió de Hanna Montana y su carrera dio un giro de 180º.
Pero antes de nada…
Hablemos un poco de Aitana
Aitana Ocaña Morales, tiene 24 años y es de Barcelona. Su carrera musical se lanzó gracias al famoso programa español Operación Triunfo en el año 2017.
Desde entonces no ha parado de sacar éxitos y participar en otros programas televisivos como La Voz Kids España. Ha sido nominada en dos ocasiones a los Premios Grammy Latinos y galardonada con diferentes premios como Premio Ondas, Mtv Europe Music Awards, Radio Disney Music Awards, entre otros.
Considerada como «Princesa del pop español» gracias a sus exitosos temas internacionales como «Mon Amour», «Formentera» o «Los Ángeles».
También ha debutado en la gran pantalla en el año 2022 realizando un papel protagonista en la serie La última, junto a su ex pareja Miguel Bernardeau, estrenada en las plataformas Disney+ y Star+.
A su vez ha trabajado como embajadora corporativa de diferentes marcas internacionales como Inditex, Coca Cola, McDonald’s, Tous y Yves Saint Laurent.
Como podemos ver, Aitana no ha parado desde su paso por Operación Triunfo. Sin embargo, siempre se le ha enmarcado en un público «infantil» y «juvenil». ¿Vosotros/as que opináis?
Tipo de público
Pues bien, hablemos del tipo de público al que va dirigidas sus canciones haciendo un breve repaso de todos sus éxitos desde que salió de la academia de O.T.
El primer éxito que tuvo fue «Lo Malo» junto a Ana Guerra, canción que usaron para la presentación de Eurovisión 2018, escrita por Brisa Fenoy.
«Pero si me toca, toca, tócame Yo decido el cuándo, el dónde y con quién Que voy a darme a mí de una y otra y otra vez Lo que tanto me quité, que pa’ ti tan poco fue
Y yo voy, voy, voy lista pa’ bailar Porque tú, hoy hoy, me has hecho rabiar Y yo voy, voy, voy lista pa’ bailar Tengo claro que no me voy a fijar
En un chico malo no, no, no Pa’ fuera lo malo no, no, no Yo no quiero nada malo no, no, no En mi vida malo no, no, no»
Una canción con un mensaje reivindicativo de la mujer en las relaciones, aquí habla de que ella es la que decide y no quiere al «chico malo». Está claro que no es una canción muy infantil que digamos ¿no creéis? pero si juvenil, que es muy diferente. Empoderamiento de la mujer.
Su primer éxito en solitario tras O.T es «Teléfono» en 2018, junto a «Vas a quedarte».
«Cierra la puerta, vas de salida Y aunque la verdad yo nunca te esperé Yo ya he estado sola y sola yo estoy bien No necesito a nadie
Hoy he dejado mi teléfono Para no llamarte (ah)»
En este tema seguimos con ese mensaje de empoderamiento femenino frente a las relaciones, donde nos habla de una relación en el que la otra persona le busca cuando le interesa «cuando llueve me buscas» pero ella aunque deje su teléfono para no tener esa tentación de llamarle, no necesita a nadie y sola está bien. Algo juvenil pero no infantil. Mensajes que pueden ir dirigidos tanto a públicos adolescentes como para adultos, ya que todos nos hemos encontrado a diferentes edades en ese tipo de situaciones sentimentales.
Con «Vas a quedarte» nos encontramos algo diferente, una balada que habla de una ruptura amorosa, a través del miedo al amor, la culpa, el arrepentimiento, la reconquista, el deseo, las promesas y las segundas oportunidades.
¿Por qué nunca admití estar enamorada? Siempre lo supe y no dije nada Mi corazón se quiso esconder
(…)
Quise obligarme a olvidar tu boca Y ahora mi boca dirá que si tú regresas
Vas a quedarte Porque te juro que esta vez voy a cuidarte A nuestra historia le hace falta una segunda parte
(…)
Yo haré de todo por volver a enamorarte Yo tengo miedo porque nunca pude reemplazarte Y si lo intentas te prometo que esta vez Vas a quedarte
Yo que me acostumbré a estar arrepentida Sigo esperando a que llegue el día En el que decidas volverme a ver
Primera colaboración fuera de O.T con Morat, «Presiento». Hacen de una canción que habla sobre el comienzo de las relaciones y su dificultad para mantenerlas. Una obra teatral, dulce y vibrante, donde Aitana nos deja ver esa niña que lleva dentro con ilusiones y sueños. Por lo que aquí si que podemos decir que existe una dirección hacía todo tipo de público, incluyendo el infantil.
Presiento que tú siempre vas y vienes Que no tienes nada que perder Rompiendo corazones te entretienes Y cuando das el tuyo es de papel
Presiento que serás de esos errores De esos que estoy dispuesto a cometer Presiento que te vas y ya no vienes Yo olvido mis presentimientos
Solo por volverte a ver Solo por volverte a ver Solo por volverte a ver
Podré vivir sin escuchar tu voz Pero tal vez me mate la curiosidad Puedes negar que hay magia entre los dos Pero en el fondo tú ya sabes la verdad
«+» Fue todo un éxito, tanto en la versión en solitario como esta pedazo de colaboración con Cali y Dandee. Una canción totalmente dirigida al público juvenil adolescente, donde nos habla de la ruptura y de ese primer gran amor.
¿Qué más te puedo decir? Si el primer amor durara para siempre Sobrarán recuerdos, faltará tenerte Dejas una historia en mí por escribir
Si yo te quiero, te quiero y te quiero Y por tu culpa, febrero me duele de más ¿Dónde guardaré este amor si tú te vas? Si no es mentira que te echo de menos Si yo no te echo de menos, te extraño de más Y aunque sé muy bien que tú no volverás ¿Cómo pretendo no echarte de menos si te amé de más?
En 2020 Aitana realiza varias colaboraciones, entre ellas el tema «Si tú la quieres» con David Bisbal, que lanzan en plena pandemia con un videoclip de lo más tierno y alegre con videos de diferentes personas en sus casas durante el confinamiento. Una canción que nos regalaron en mitad de una situación horrorosa donde nos hicieron bailar, cantar, alegrarnos y querer mucho mucho más a nuestros seres queridos. Dirigido a todo tipo de público por supuesto, en el que nos hablan del amor puro, ya sea tu mascota, abuela, madre, hija, tía, sobrina, amiga, prima, hermana, etc.
Si ella te quiere, has tocado el cielo Se abren las puertas del universo Cuando te quiere ya solo hay una dirección El desenlace de cualquier sueño Está en su boca si tú la tocas Ella te quiere, se pinta el mundo de color
Si tú la quieres No dejes nunca que la distancia os apague el fuego Y cuídala como cuida el pájaro de su vuelo Si tú la quieres, qué suerte tienes
Otras colaboraciones exitosas este mismo año fue «Enemigos» con Reik, «Más de lo que aposté» con Morat, «Corazón sin vida» con Sebastián Yatra, entre otros.
En 2020 también realiza su primera participación en una Banda Sonora para Netflix, «Volaré» para la película de animación «Más allá de la luna», que por supuesto va dirigida a un público infantil.
En 2021 nos trae un temazo que ya hemos mencionado antes, «Mon Amour» con Zzoilo.
Ambos nos presentan un pop rap en el que primero lanzan la canción y tras el éxito deciden hacer una versión en remix. Volvemos una vez más a hablar de amor, un amor inocente, juvenil con un tono animado, convirtiéndose en uno de los mayores éxitos de su carrera musical.
Voy a ir directo a ti Voy a mirarte a los ojos, no te voy a mentir Y como dos niños chicos, te pediré salir Esperando un «sí», esperando un kiss
Y es que me encantas tanto Si me miras mientras canto Se me pone cara tonto Niña, tú me tienes loco Y es que me gustas, no sé cuánto «Gogoko zaitut» como dirían los Vascos Si quieres te lo digo hasta en Portugués Eu gosto de você
Seguimos hablando de amor, «Berlín» canción en solitario. Esta vez de una crisis amorosa con su pareja que marcha a Berlín. Tema inspirado en su relación con Miguel Bernardeau, quien se va un tiempo a Berlín por tema de trabajo. Comenzamos a encontrarnos ante una Aitana más suelta, más madura, dejando a un lado esa niña dulce a un lado y sacando la mujer que es.
Yo sé que fuiste tú, el que te fuiste tú Y si Madrid se queda sola, eso lo hiciste tú Y no me importa si vas a llamarme Yo quiero besarte, besarte y besarte (besarte), ey
No sé qué pasará en Berlín, si esto va a ser el fin Pero me jode más tener que esperarte ¿Qué pasará en Berlín si tú no estás aquí? Tal vez si vuelves, no seré la de antes
En 2021 nos encontramos con más colaboraciones como «Llueve sobre mojado» junto a Pablo Alborán y Pablo De Luna, «Coldplay» repitiendo nuevamente con Cali y El Dandee y «Formentera» con Nicki Nicole con el que lo peta convirtiéndose en otro de los grandes éxitos de su carrera.
Un tema diferente y vemos una Aitana más sensual, más adulta, más eléctrica donde deja a un lado el ritmo latino y reggaetón. Dirigido a un público más adulto pero también juvenil, alejándose, como hemos dicho antes, poco a poco de esa Aitana niña, dulce y tierna. Aquí no hablamos de parejas, ni amor, hablamos de conexión y atracción hacía otra persona, quedándose atrás ese amor del que nos hablaba en sus anteriores canciones más «juveniles» e «inocentes».
Madre mía, ¿cómo se hace para tanta conexión? Tú lo sabes, yo lo siento, vamos a otra habitación Donde nadie, nadie pueda oírnos Se nota en mi boca que yo no quiero hablar
Porque desde que estás aquí Aquí cerca de mí Que tú eres mi baby Ese recuerdo de tenerte sin ropa
Que no me deja dormir Sigo pensando en ti Que tú eres mi baby Y ese recuerdo de tenerte sin ropa, baby
En 2022 Aitana continua por la línea de «Formentera», canciones más discotequeras, que hablan de conexión, atracción, bailes… mostrando a una Aitana, como ya hemos mencionado antes, cada vez más sensual, más mujer, alejándose poco a poco de la Aitana niña, dulce e inocente. Su tono de voz además se va notando, donde si nos fijamos bien, es menos aguda y «dulce».
Con su tema «En El Coche» comienza a crear coreografías y ha utilizar un vestuario más adulto y sensual. Seguimos viendo esa figura de mujer empoderada con un tono más adulto como ya hemos mencionado. Por lo que no va dirigido a un público infantil.
Tú no entiendes Lo que pasa en mi mente si me estás mirando Tú lo sientes Pero yo siento más si te vas acercando
Y tú Me lo quieres pedir Yo te lo quiero dar Ven, vamos a seguir
Bailando así toda la noche Bailando así, no puedo parar Cuando me toca, así, solito en el coche Tú y yo en mi casa vamos a terminar
Bailando así
Con «Mariposas» junto Sangiovanni, volvemos a esa inocencia de «Mon Amour» pero con un tono más discotequero y juvenil, para un publico adolescente. Nos habla del desamor, del recuerdo y tristeza al perder a ese amor.
DJ, no ponga la canción Que cada vez que suena, se me rompe el corazón Que cada vez que pienso en él, siento que voy a enloquecer
Porque no tengo a mi baby Y todavía lo quiero aquí Ese beso era para mí, pero ya no va a ser No te quiero perder ¿Por qué tan fácil te vas, y yo aquí pensando solo en ti?
Y no se lo he dicho a nadie Perdí la cabeza y estoy loco por ti
Hoy ya no vuelan mariposas, ya no quedan rosas De esas que en verano me regalabas tú
Otra colaboración, esta vez con Emilia Mernes y Ptazeta en «Quieres». Un tema de adolescentes, donde las tres artistas mezclan sus estilos: la dulzura de Aitana, el flow de Emilia Mernes y el poderío de Ptazeta. Sin embargo, Aitana se va alejando cada vez más de la chica risueña y tierna, a pesar de que la dulzura puede estar presente, pero es una dulzura con toques sensuales.
Dime si te atreves (eh-eh) Atrévete a algo conmigo Conmigo, si quieres, debes (puedes) Debes ser más atrevido y yo lo sé (y yo lo sé)
Atrévete, como René, sabe’ que tienes el okey, ponle play Tú y yo estamos en la misma, wey Te doy la password pa’ que tú te conectes a mi red Me tiene’ entre la espada y la pared
El 2022 lo cierra con «La última» con el proyecto junto a su pareja (en aquel momento) Miguel Bernardeau, donde además de encargarse de la Banda Sonora de esta serie, debuta como actriz en su papel protagonista, dando vida a Candela. Una serie juvenil que habla del amor de dos jóvenes que luchan por sus sueños profesionales y se enamoran.
A principios de este año, 2023, Aitana nos presenta «Los Ángeles». Tema en solitario donde nos presenta su nueva imagen con su corte de pelo mostrándonos lo que ya llevaba tiempo realizando, sensualidad, empoderamiento, coreografías, atracción, discoteca… La artista va fijando un estilo que ha ido evolucionando a base de pequeñas pinceladas que nos ha ido presentando con temas anteriores como hemos visto por ejemplo en «En El Coche» o «Formentera».
Una canción que se convierte en otro de sus grandes éxitos de su carrera musical.
Pero fue culpa de Adán Cuando Eva se perdía Y otra manzana mordía Nuestros labios se miran
Y estas ganas no se van Cuanto más me comes, más me gusta No me importa qué dirán Si a ti no te asusta, no me asusta Yo quiero otra noche
(…)
Silencio en la biblioteca Los ángeles también pecan Me miras y no hay que decir más
Que cuando se encuentra a esa persona Que cuando te toca te obsesiona Si nos alejamos no funciona Déjame tenerte una vez más
Sin embargo, este verano Aitana nos sorprendía realizando una nueva versión de la famosa canción noventera «Saturday Night» de Whigfield.
Dejamos las canciones de amor a un lado, la atracción sexual y vamos a divertirnos con las Babys, las amigas/os, Aitana se va de fiesta a pasarlo bien simplemente jugando con el recuerdo del gran Saturday Night. ¿Tendrá algo que ver con su situación sentimental en ese momento? «La gente se entera que yo estoy soltera de vuelta». No lo sabemos, pero lo que si sabemos es que es una canción apta para todos los públicos incluso se podría decir el infantil, ya que es una canción para bailar, saltar y divertirse.
Por la niña buena, por la niña mala Y por esa amiga que se vuelve hermana Por un lunes largo que se hace fatal Pero llega el viernes y me siento high, ay Que la calle me espera La gente se entera que yo estoy soltera de vuelta Party la noche entera con todas mis nenas
Dicen que la vida es buena, buena es De fiesta con la casa llena otra vez Salud porque la vida es buena, buena es De fiesta con la casa llena Y este coro que te llega otra vez, ey
Y por último, llegamos a su tema de la gran polémica «Miamor» con Rels B. Un tema sensual absoluto, que habla de dos personas que se dejan llevar en una noche de pasión empezando a hablar a través de rr.ss y terminando en la cama «Él primero me dio like, pero después me escribió. Sabes que no soy así, normalmente yo paso. Pero esta vez lo sentí, respondí. Y terminó bailando encima de mí».
Desde el lanzamiento de su videoclip se creó bastante revuelo (cosa que no entiendo) ya que como hemos ido viendo a lo largo de su carrera encontramos temas sugerentes, sensuales, que hablan de atracción sexual… Sin embargo, aquí se podría decir que la letra es algo más explicita.
Pega tu boca con la mía Que yo detrás de ti, bebé, llevo mucho tiempo Me gustan tus fotos, tu cuerpo, tu olor Mantengo el video que grabamos Haciendo las cosas que tanto te gustan, mi amor
Mi amor, sin ropa los dos Haciendo el amor (sin ropa haciendo el amor) En su habitación
Así fue cómo lo conocí, ey, ey Me dijo: Cuando quieras, nos vamos (nos vamos) Obviamente, le dije que sí, ey (que sí, le dije) Con un beso en el cuellito, empezamos No nos aguantamos
Yo quiero seguir, ey, ey Me dijo que su casa está cerca (y yo) Me acerqué y dije: Dale, baby Un beso en el cuello y empezamos Sus labios mojados y ella encima de mí
Un tema más adulto, pero ¿por que no? también juvenil o es que… ¿nuestros adolescentes no se dan like, ni hablan, ni tienen noches de pasión? Parece ser que no, parece ser que las canciones de Raúl Alejandro y sus bailes son más sanos que los de Aitana.
Lo que está claro es que a Aitana no se le puede catalogar por la «niña disney» o anclarla en un público infantil por tan solo 2 o 3 canciones más aptas para público infantil, ya que a lo largo de su carrera nos ha ido adentrando a un estilo más discotequero y por supuesto, sensual, donde sube la temperatura.
El revuelo absoluto se produjo con la coreografía de esta canción en el primer concierto que dio en Valencia. Hubo madres escandalizadas porque llevaron a sus hijas menores al concierto y nadie les «avisó» de este contenido para +18.
Se supone que cuando quieres llevar a tu hijo/a menor a un concierto de algún artista te aseguras o documentas o poco ¿no? de quien es o que tipos de canciones hace o algo…
Llegados a este punto y para finalizar este artículo, pienso como dice Aitana en el video anterior, esto demuestra como se encuentra la sociedad actual y todo lo que aún nos falta por hacer. Seguimos sin entender porque si un artista hombre hace bailes explícitos no se le critica y cuando lo hace una mujer sí, ¿seguimos en la sociedad machista y retrograda? yo diría que en muchos aspectos aún sí, y lo más doloroso… entre mujeres.
Hay que tener en cuenta una cosa también, Aitana cuando sale de la academia de O.T tiene 18 añitos nada más, era prácticamente una niña y eso en sus videoclips se nota, una niña viviendo un sueño y sus primeros pasos en su carrera musical. Vemos en un inicio a una Aitana más risueña, que aunque las letras de sus canciones sean de amor, desamor, empoderamiento…no deja de ser una chica muy joven, un «ejemplo» una «figura» a seguir para las chicas jóvenes adolescentes… pero ADOLESCENTES, no para un público infantil. Como ya he mencionado anteriormente, por dos canciones o tres que ha realizado más aptas para el público infantil, no quiere decir que ella este dirigida a ese público.
Como hemos ido comprobando, su evolución ha ido marcando un estilo que va desarrollando y sinceramente me encanta su explosión que ha dado este último año con ese cambio de imagen y nuevos temas más potentes. Algo que ha dejado claro en sus últimas apariciones con looks mucho más atrevidos dejando atrás su imagen de niña, una niña que ha crecido. Gracias Aitana por esa pedazo de coreografía, tus canciones y hacernos ver lo que aún queda por hacer como sociedad.
Lo dinámico, lo que hace interactuar con el espectador, con el visitante, lo atrayente. En el momento de visitar una exposición que sin lugar a dudas nos dejará asombrados, buscamos esa conexión. Os traigo en este nuevo artículo el Palacio Belvedere, ubicado en Viena. En mi visita de este verano pude ver su amplia colección. Multitud de pasillos transitados por centenares de turistas, nos muestran una de las colecciones más conocidas de Austria.
Señal de prohibido tocar las obras.
«El Beso», de Gustav Klimt. Una de las salas del Belvedere.
Ante tantas visitas de personas que se acercan a ver las obras, se me vino a la cabeza cuál podría ser la seguridad que tendrían estos sitios. Hasta ahora la ciudad me estaba resultando muy distinta a lo que conocía, sobre todo en lo que a formas se refiere. Los museos no iban a ser menos. Salvando lo que todo el mundo conoce como el vigilante de sala, que también se hacía alarde de ello en cada una de sus estancias, observé o más bien de primeras escuché, un cierto pitido de alarma que se repetía de forma irregular y en algunos momentos. Pronto pude darme cuenta de que cuando algún visitante más curioso se acercaba mucho a una obra, sonaba un pitido que hacía que repentinamente esta persona diera un paso atrás, siendo observado al momento por el resto de visitantes de la sala. Algunos igualmente atónitos, pero ya advertidos.
Merodeé por las estancias y encontré que en los rincones existía un detector de movimiento. Este hacía proyectar un haz que a simple vista no podía detectarse y que abarcaba desde la esquina, a través de todo el perímetro de la pared, y si intentabas acercarte demasiado cruzando ese perímetro, saltaba la alarma. De esta manera, todo el mundo se iba dando cuenta de cuál era el sistema de vigilancia que tenían las obras, y se lograba mantener la seguridad en todo el recinto. Y funcionaba, a las mil maravillas. Las personas por pudor a ser advertidas y puestas en evidencia, mantenían las distancias correctas con las obras expuestas ¡Chapó!
Señal de prohibido tocar.
Sensor de movimiento en una de las esquinas.
Es todo cuestión del prisma del que se miren las cosas. La verdad es que funciona muy bien, y nadie a día de hoy se ha quejado de nada, ni de los pitidos emitidos por los sensores, en un lugar de silencio como son los museos. Se acepta simplemente, por el bien de las obras.
En seguridad esto es algo que me pareció formidable, pero en difusión me dejaron alucinada con la manera tan amena de transmitir las cosas, en definitiva, hacerlas más cercanas al visitante. En una de sus salas se mostraba la restauración de un tríptico. Este se ubicaba en medio de la sala, perfectamente conservado después de su intervención. Justo al lado, una gran pantalla. En ella podías ver en imágenes y estupendamente explicado todo el proceso de restauración que había tenido esta obra, sin duda era una maravilla. Podías acceder a sus radiografías, reflectografías infrarrojas, y a todo un lujo de detalles de la intervención de forma virtual y táctil. Una forma muy cómoda y directa de tener todo ese proceso en tus manos.
Pantalla virtual. Proceso de intervención.
Pantalla virtual. Radiografía de la obra.
De igual manera se acuerdan de las personas impedidas, en este caso de las personas con discapacidad visual. Grandes piezas sacadas en impresoras en 3D recrean algunas de las obras de arte más particulares de las salas, descritas con el texto adaptado. Con las manos pueden ir adquiriendo toda la información de estas obras seleccionadas.
Tablero con las imágenes de la obra en 3D.
Obra que representa el tablero para discapacitados visuales.
También me he encontrado con paneles de cartón explicativos. Estos nunca dejarán de tener la importancia de mostrar el avance en fotografías y textos de cualquier intervención patrimonial que se haga. Deben de seguir existiendo. En este caso, se trataba de las obras de restauración acometidas en la Abadía de Melk, que también pude visitar.
Panel informativo. Abadía de Melk, Austria.
Panel informativo. Abadía de Melk, Austria.
Como ya he comentado en anteriores artículos, la difusión es pieza clave de la restauración, es necesario acercar los distintos procesos para que se entiendan todos ellos, enseñando cómo es el trabajo diario en la profesión del Conservador Restaurador. De esta manera se valorarán mejor todos estos actos y el saber conservar, porque no se conserva lo que no se entiende ni se conoce.
Natividad Poza Poza. Conservadora y Restauradora de Bienes Culturales.
La evolución tecnológica ha impactado prácticamente en todos los aspectos de nuestra vida diaria, y la escritura no es la excepción. En la era digital, donde las computadoras y los dispositivos móviles son herramientas omnipresentes, la forma en que escribimos y creamos contenido ha experimentado una transformación significativa. Una de las innovaciones más intrigantes en este campo es el Neurowriter, una tecnología basada en la inteligencia artificial que promete revolucionar la escritura tal como la conocemos.
¿En qué consiste el Neurowriter?
El Neurowriter es un sistema que utiliza algoritmos de aprendizaje profundo y procesamiento del lenguaje natural para ayudar a las personas a generar textos de manera más efectiva y eficiente. Su funcionamiento se asemeja a tener un asistente virtual que está siempre listo para ayudarnos a encontrar las palabras adecuadas, mejorar la estructura de nuestras frases y corregir errores gramaticales y ortográficos.
Su fórmula de aprendizaje se basa en la repetición. Lee una y otra vez textos o libros y aprende cuál es la estructura de estos. De esta forma, no va copiando y pegando, sino que continúa escribiendo, utilizando las estructuras que ha aprendido. ¿Pero qué implica esto para la escritura y la creatividad en general?
Aspectos para tener en cuenta
En primer lugar, el Neurowriter tiene el potencial de democratizar la escritura. Si bien siempre ha habido herramientas de corrección gramatical y ortográfica, el Neurowriter va más allá al ofrecer sugerencias contextuales y mejoras de estilo. Esto significa que las personas que no son escritores profesionales pueden generar contenido de mayor calidad sin la necesidad de tener un amplio conocimiento gramatical o literario. Esto podría abrir las puertas a una mayor participación en la escritura en línea y la creación de contenido, lo que enriquecería la diversidad de voces y perspectivas en la web.
Por otro lado, la automatización de la escritura plantea preguntas importantes sobre la originalidad y la autenticidad. Si una máquina es capaz de generar contenido que parece haber sido escrito por un ser humano, ¿cómo podemos estar seguros de que no estamos leyendo algo producido por un algoritmo? Esto podría plantear problemas éticos y de confianza en el futuro, especialmente en áreas donde la autoría y la autenticidad son cruciales, como el periodismo y la academia.
¿Es la IA la nueva escritora del siglo XXI?
La cuestión de si la IA va a sustituir la mano humana se repite una y otra vez. Cada vez estamos más cerca de que la máquina sustituya por completo al trabajador, o ese es el miedo que parece asolar a una gran parte de la población. Pero, ¿es la creatividad de la IA comparable a la del ser humano?
La creatividad es una facultad humana profundamente arraigada en la capacidad de imaginar, innovar y generar ideas originales. Durante mucho tiempo, se consideró que la creatividad era una característica exclusivamente humana, pero con el avance de la inteligencia artificial (IA), nos encontramos en un momento fascinante en el que la IA está desafiando esta creencia.
La relación entre la creatividad y la IA es compleja y está en constante evolución. Por un lado, la IA tiene la capacidad de generar contenido creativo en diversas áreas, como la música, el arte, la escritura y el diseño. Algunos ejemplos notables incluyen generadores de música algorítmica que componen canciones originales, programas de diseño que crean obras de arte visualmente impactantes y sistemas de escritura que pueden producir textos coherentes y persuasivos. Estas aplicaciones de IA han demostrado ser útiles en la producción de contenido creativo de alta calidad de manera eficiente.
Pero es innegable que la creatividad va más allá de la generación de contenido, pues esta implica la capacidad de generar conexiones inesperadas entre diferentes ideas, de comprender y expresar emociones de manera única y de adaptarse a situaciones de cambio de manera imaginativa. Por lo tanto, a estas dimensiones que sólo son alcanzables para la capacidad humana, la Inteligencia Artificial aún no es capaz de llegar.
¿Por qué? Pues porque no deja de ser una máquina, algo que depende exclusivamente de datos y patrones previamente aprendidos. Esto significa que, aunque sea capaz de producir contenido inesperado, su creatividad se basa en información que ha sido depositada en una fuente de alimentación de su sistema, y por el contrario, La verdadera creatividad humana, en contraste, a menudo se nutre de experiencias personales, emociones y reflexiones profundas.
Un aspecto interesante de la interacción entre la creatividad y la IA es la colaboración. Algunos artistas están utilizando la IA como una herramienta para potenciar su propio proceso creativo. Por ejemplo, músicos pueden usar algoritmos generativos para inspirarse en nuevas melodías, y escritores pueden emplear la IA para ayudar en la generación de ideas. Esto sugiere que la IA no necesariamente reemplazará a los humanos en la creatividad, sino que puede complementar y enriquecer la creatividad humana.
Por lo tanto, a la pregunta de si puede el Neurowriter replicar la chispa creativa que impulsa a los escritores a crear obras originales y emocionantes, la respuesta es la siguiente: aunque es capaz de ayudar con la generación de contenido, todavía carece de la profundidad de pensamiento y la originalidad que un escritor humano puede aportar. La creatividad no es solo una cuestión de palabras, sino de ideas, perspectivas y emociones, y estas son áreas donde la inteligencia artificial todavía tiene mucho que aprender.
Ejemplos
La obra de Sunspring, de Oscar Sharp, es un corto cuyo guion ha sido escrito por una máquina. Para su creación, la IA aprendió de la lectura previa de cientos de guiones y aunque el resultado es delirante, consigue ser una muestra de sorprendente de lo que es capaz de hacer el NeuroWtriter.
Conclusión
En resumen, el Neurowriter es una herramienta prometedora que tiene el potencial de cambiar la forma en que escribimos y creamos contenido. Su capacidad para mejorar la accesibilidad a la escritura y simplificar la creación de contenido es innegable, pero también plantea desafíos importantes en términos de autenticidad y creatividad. A medida que esta tecnología continúa desarrollándose, será esencial que reflexionemos sobre su impacto en la escritura y en nuestra sociedad en general, y que encontremos un equilibrio entre la conveniencia y la integridad de la expresión humana.
Hoy os vengo a hablar de una curiosa iniciativa que ha llevado a cabo el Museo Van Gogh en Ámsterdam y que tiene que ver con lo que habéis visto en el título. Si habéis nacido en los 90 o principios de los 2000 seguro habréis reconocido la frase al instante ya que proviene de la serie Pokémon. Una serie que muchos de nosotros (incluida yo) veíamos por la mañana, durante los sábados y domingos aprovechando que no había que ir al colegio.
Sí, muchos de nosotros hemos crecido viendo las aventuras de Ash, Pikachu, Brock, Misty y tantos otros. Y en este momento estaréis pensando ¿Pero qué tiene que ver esto con la pintura?. Pues resulta que el Museo Van Gogh en Ámsterdam ha creado una iniciativa que implica la participación de estos seres, que traspasan la pequeña pantalla y aparecen en algunos de los cuadros que realizó el artista holandés a lo largo de su vida.
Así, podemos ver por ejemplo, a un Snorlax echándose una siesta en la cama de La habitación de Arlés, a un Sunflora escondido entre Los girasoles o al propio Pikachu que ocupa el lugar de Van Gogh sustituyéndolo en uno de sus múltiples Autorretratos.
Pikachu emulando Autorretrato con sombrero de fieltro gris
No es la primera vez que algún artista introduce a los famosos dibujos en sus creaciones pues no nos podemos olvidar la obra de Miguel Sheroff quien presenta de forma recurrente a diferentes Pokémon como parte de su obra, ya que forman una parte importante de su vida. (Por cierto, hace algunos hicimos una entrevista, id a verla si aún no lo habéis hecho).
La iniciativa llevada a cabo por la institución ha generado opiniones diversas en redes sociales, ganándose defensores y detractores a partes iguales. Para algunos esta es una gran acción, para otros desvirtúa la obra original.
Yo, os voy a dar mi opinión como historiadora del arte, dejando de lado mi gusto por la serie. Bajo mi punto de vista este proyecto sí desvirtúa en cierta medida la obra original del artista, pues es imposible que Van Gogh concibiese en sus composiciones a un Snorlax o a un Sunflora (a menos que usase una de las puertas del Ministerio del Tiempo) pues cuando el artista murió faltaban más de 100 años para que Pokémon se lanzara oficialmente. No obstante, a pesar de adulterar la obra creo que es una buena iniciativa.
Munchlax y Snorlax descansando en La habitación de Arlés
Uno de los principales objetivos de los museos es difundir la obra y atraer al gran público. Con personas como yo, que le apasionan los museos y van de forma natural, por admirar su colección a la institución no le es necesario implementar ninguna estrategia. Pero para aquellos niños, adolescentes o simplemente el público general que no les atrae tanto el arte si es necesario una estrategia para atraer a este grupo de personas al museo. Muchas personas ven los museos como «lugares anticuados donde hay obras de personas que murieron hace muchos años sobre temas que no interesan demasiado», y en este caso, este tipo de proyectos pueden cambiar esa concepción.
Otro suceso llamativo derivado de la iniciativa es la polémica generada entorno a las cartas. La compañía encargada de Pokémon ha realizado unas cartas especiales con algunos de los cuadros expuestos, que se vendieron en la tienda del museo. El nuevo producto provocó que una avalancha de personas se lanzase a comprar varias unidades, esto con el objetivo de revenderlas en Internet a un precio mucho mayor. La compañía ya ha pedido disculpas y ha prometido fabricar más unidades lo antes posible.
Si queréis más información os invito a visitar la web del museo, donde además de imágenes tenéis algunos extras como un tutorial sobre cómo dibujar a Pikachu o una tienda online en la que adquirir merchandising. Aquí os dejo el link:https://www.vangoghmuseum.nl/en/van-gogh-museum-x-pokemon
Ahora es vuestro tuno ¿Vosotros que opináis? ¿Os gusta este proyecto? ¿Veríais bien que se adaptase o se llevase a cabo en otros museos?
He de confesarlo, últimamente no he estado pensando mucho en el Imperio Romano. Ayer estuve leyendo la Wikipedia de Fernando VII y de María Josefa Amalia de Sajonia, aunque esta etapa histórica no es que sea uno de mis pensamientos recurrentes, fue casualidad. Me han dicho que cuando estás un poco perdida y sientes que no tienes muchas ideas, especialmente si además te dedicas a sectores relacionados con la creatividad y el diseño, ayuda un poco intentar volver a los orígenes y rebuscar en tus referencias. Pensando sobre qué escribir este artículo me he dado cuenta de que uno de mis pensamientos recurrentes son las señoras folclóricas españolas. En las señoras folclóricas españolas sí que pienso constantemente. He decido volver al origen de esta imaginería y hacer un artículo sobre diseño de señoras por pura supervivencia. Cuando una es una señora tiene que tener referencias de otras mejores, una tiene que tener una señora favorita siempre para no perder el rumbo. Os voy a hacer un top, sin orden concreto, de los mejores diseños de portadas de las folclóricas, a ver si conseguimos entre todas volver un poco a casa.
Rocío Jurado – Señora (1979)
No podíamos empezar un artículo sobre diseño de portadas de señoras con otro que no fuese Señora (1979), de Rocío Jurado, uno de los álbumes más vendidos en español. Me ha llamado la atención especialmente lo moderno y diferente que es esta carátula dentro de su contexto. En una época donde primaba una estética mucho más cargada y exagerada, esta portada es profundamente minimalista. El fondo blanco ocupa la mayor parte, destacando Rocío Jurado en el centro, con una fotografía muy natural, sin ropa, sonriente y en movimiento, aunque destaca el maquillaje en tonos rosas y morados y las uñas largas y rojas. El título del disco, Señora, aparece escrito con una caligrafía hecha a mano (es decir, no es una tipografía), como si lo hubieran escrito con un pintalabios fucsia. Los colores y elementos del cartel están tradicionalmente asociadas con la feminidad a la que hace referencia el título, pero me hace gracia que sea con una fotografía tan natural y sonriente, muy diferente al resto de fotos con posados severos que solían tener los álbumes de la artista. Solo ella es la epítome de la señora. Una fantasía. No pude evitar comparar este cartel con los artes promocionales del álbum MotomariMotomami (2022), de Rosalía, diseñados por Viktor Hammarberg y fotografía de Daniel Sannwald. De la misma manera, aparece la artista sobre un fondo blanco desnuda. En este caso, muestra un aire más violento y urbano con el uso de bolígrafos Bic para escribir las letras y títulos de las canciones. Distintos tipos de señoras.
Lola Flores – La Faraona (1963)
Este álbum con fotografía de Ysunza N. también me pareció bastante inusual para la época y el género musical al que nos referimos. Esta portada es bastante minimalista e íntima, mientras que el resto de álbumes de Lola Flores la presentan en una posición más empoderada o desafiante, mirando a cámara, aquí vemos a la artista de lado, mirando hacia abajo y en colores melocotones y pasteles. Aun así, podemos ver los elementos icónicos de Lola: el peinado, los claveles, el eyeliner, el lunar y un pedazo de su bata de cola. Tenemos dos tipografías, una caligráfica y otra sin serifa, una combinación usada frecuentemente en la actualidad. La atmósfera dreamy, con un pequeño desenfoque y glow alrededor de los objetos, que da una imagen de ensoñación o intimidad estuvo muy presente a lo largo de los años 60 y 70 y se ha recuperado en la actualidad (hablo de esto en este artículo). Recuerda a cuando le ponían medias delante de las cámaras a Sara Montiel para que se viese divina en la tele (señora a la que no he incluido en este artículo y que, por cierto, es mi favorita). Esta portada me ha recordado bastante a la del disco Happier than ever (2021) de Billie Eilish, con fotografía de Kelia Anne MacCluskey. Con una paleta de colores, composición y tipografía caligráfica similar al álbum de Lola Flores, se muestra un contraste entre el título del álbum (más feliz que nunca, en español), con la expresión triste de Billie. Este contraste también lo vemos en el álbum de Lola Flores, una pose muy íntima y relajada que choca con el nombre de LA FARAONA.
Carmen Sevilla – Canta para usted (1960)
En este caso vemos una ilustración realista o fotografía coloreada, típico de la cartelería del siglo XIX o principios del siglo XX, lo que le da un aspecto mucho más clásico. La tipografía con serifa también contribuye a darle un aspecto más tradicional. Aun así, los colores complementarios rojo y verde brillantes le dan un aspecto contemporáneo. La postura es más situacional, parece que está hablando a alguien que se encuentra fuera de plano, lo que le da una imagen de naturalidad.
Esta portada me ha recordado, por el contraste de colores y la pose, la la carátula de After Hours (2020) de The Weeknd, con fotografía deAnton Tammi. Aunque la de The Weeknd les ha quedado un pelín más gore.
Por los colores y como referencia estética en la cartelería y álbumes de los años 50 y 60, también tenemos esta portada alternativa de Lana del Rey, del álbum Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd (2023).
Os dejo la portada del single Think about Things (2020) de Daði Freyr, porque, aunque en este caso utiliza una textura de jersey con un retrato pixelado, me hace gracia compararlas. No me digáis que no.
Isabel Pantoja – Fue por tu voz (1974)
Entre varias opciones de portadas de Isabel Pantoja he decidido finalmente la de este álbum por ser radicalmente distinta al resto de discos de la artista. Mientras que, generalmente, sus portadas son un retrato en primer plano mirando hacia cámara con mucha personalidad, priorizando los colores rojos y rosas, en este caso vemos una portada mucho más sencilla, con una fotografía con un plano general donde puede apreciarse la pose y los detalles del vestido, enmarcada con un borde cuadrado negro y un fondo blanco predominante. Me ha recordado a la línea gráfica que Rigoberta Bandini, desarrollada por Borja Pakroslky, que cuenta con un marco blanco común en todas las portadas de sus singles rodeado por el nombre de Rigoberta y el título de la canción en una tipografía negra sin serifa, utilizando algunos emoticonos o gráficos simplificados. Las fotos suelen ser de escenas relativamente costumbristas, en esta podemos ver a Rigoberta y a Amaia comerse un helado. En el caso de Isabel Pantoja también cuenta con esta composición del marco, la letra gruesa con serifa y unos gráficos simplificados que representan las formas básicas de una guitarra.
La portada estándar de Isabel Pantoja para que podáis compararlas:
María Jiménez – Se acabó (1978)
Y, por último, os presento esta portada icónica de María Jiménez, un primer plano (fotografía de Máximo Moreno) mirando a cámara con un tinte azul por toda la fotografía, lo que se da un aspecto más íntimo, aunque desafiante por su pose. La tipografía es una gruesa con serifa en color rosa chicle, destacando el título sobre el fondo. El usuario de Twitter @iamchemadiaz ya había comparado esta portada con el álbum In The Zone (2003), de Britney Spears, con una fotografía similar y una tipografía sin serifa fina en los mismos tonos. Incluso la composición del texto es similar a la portada de María Jiménez. A mí también me recuerda mucho a la portada del disco Fallen (2003), de Evanescence, en una pose más frontal y combinando el tinte azul con tonos blancos, sin el rosa. Lo que me parece más interesante es que, además de compartir portadas similares, los álbumes presentan temáticas similares: fortaleza y valor frente a situaciones adversas.
Lo cierto es que todas estas asociaciones las he hecho porque me ha dado a mí la gana, pero, aún así, el diseño de épocas anteriores no deja de influir en los posteriores, especialmente en una época donde podemos disfrutar del alcance a todas estas imágenes en cuestión de segundos. ¡Espero que todos encontréis vuestra señora folclórica favorita y vuestro Imperio Romano particular y nos vemos en el siguiente artículo!
Mario Casas se estrena como director en Mi soledad tiene alas, escrita y dirigida por él mismo, contando con su hermano pequeño, Óscar Casas, como protagonista. El estreno fue el 25 de agosto por lo que podéis ir ya al cine a disfrutarla si aún no lo habéis hecho.
Sinopsis de la película:
La película trata de tres amigos jóvenes, Dan (Óscar Casas), Vio (Candela González) y Reno (Farid Bechara) que viven en un barrio humilde de Barcelona sin preocupaciones saliendo de fiesta y robando joyerías. Dan, que vive con su abuela, sueña con irse a Berlín algún día para aprender de los artistas grafiteros de allí y vivir del talento que esconde bajo esa apariencia de delincuente, teniendo una gran sensibilidad que expresa a través de sus dibujos y grafitis. Sin embargo, todo se tuerce al reaparecer su padre, despertando sus traumas, miedos y demonios, por lo que se ve obligado a huir tras una serie de sucesos junto a Vio, con quien intentará comenzar una nueva vida para poder lograr sus metas y sueños.
Antes de continuar hablando de esta película, hablemos de su director Mario Casas, el cual a sus 37 años tiene una gran trayectoria profesional.
Mario Casas
Actor Mario Casas attending film presentation “ Mi Soledad Tiene Alas “ in Madrid on Wednesday, August 23, 2023.
Actor, director y guionista gallego nacido en 1986. Estudió interpretación en la Escuela Cristina Rota y ya en 2005, con tan solo 19 años, se estrena como actor en una serie de televisión llamada Obsesión, pero será un año más tarde cuando se le conocerá más por su papel en la famosa serie de SMS. En ese mismo año, tuvo la oportunidad de debutar en la gran pantalla participando en El camino de los ingleses gracias a Antonio Banderas. Pero sin duda, la mayoría le recordamos por su papel en la famosa serie española de Los Hombres de Paco, entre los años 2007-2010 como el personaje de Aitor. Es a partir de este momento donde su carrera empieza a desarrollarse consiguiendo papeles importantes en películas famosas como Fuga de cerebros (2009), Mentiras y gordas (2009) o la inolvidable Tres metros sobre el cielo (2010) que marcó a toda una generación. Desde entonces, su carrera profesional ha ido evolucionando con grandes películas españolas, con papeles protagonistas como Grupo 7 (2012) de Alberto Rodríguez, la famosa serie española El Barco (2013), La Mula (2013) con la que consiguió la Biznaga de Plata al mejor actor protagonista en el Festival de cine de Málaga, Palmeras en la nieve (2015), Contratiempo (2015), Bajo la piel de lobo (2017), El Bar (2017) de Alex de la Iglesia, El fotógrafo de Mauthausen (2018), la serie de Instinto (2019) en el que comparte papel con su hermano pequeño Óscar Casas, El practicante (2020), No matarás (2020) de David Victori con el que consigue el Premio Goya y Premio Feroz al mejor actor protagonista, la serie de Netflix El inocente (2021), la película Bird BoxBarcelona (2023) de Netflix y ahora lanzándose como director con Mi soledad tiene alas (2023).
También ha realizado trabajos fuera de España, Edén (2013) rodada entre Malasia y Los Ángeles con Shyam Madiraju como director, siendo esta su primera película en inglés, y The 33 (2014) en la que comparte reparto con Antonio Banderas.
En mi opinión personal, Mario Casas es uno de los mejores actores masculinos que tenemos en nuestro país, aunque por encima de él tenemos por supuesto al gran Javier Gutiérrez, Antonio de la Torre, José Coronado, Luis Tosar, entre otros. Pero de su quinta (más o menos), para mí, junto a Miguel Ángel Silvestre, Mario Casas se sitúa entre los mejores, ¿y para vosotros?
Y bueno, de su filmografía entre mis favoritas se encuentran sin duda Fuga de Cerebros, Grupo 7 y Contratiempo. Y de series el Inocente y, obviamente, Los Hombres de Paco. Aunque algunas las tengo pendientes de ver.
REVIEW
Mi soledad tiene alas, vamos a proceder a comentarla y me gustaría comentarla con toda la libertad posible, por lo que…
¡¡ALERTA SPOILER!!
Quiero dar en todo momento mi opinión más humilde, no soy una profesional del cine, así pues, tomaros esta review como una opinión de una persona que ha visto la película, le gusta Mario Casas, me gusta este tipo de cine y me he visto no sé cuántas entrevistas sobre la película XD. ¡Allá vamos!
Música
Lo destaco lo primero sin duda, porque la B.S.O. de esta película es muy pequeña pero súper variada y en mi opinión muy acertada cada canción.
Mi favorita es Cuídate, de Valeria Castro. Lo que transmite esta canción con la historia, las miradas de ellos, la situación… le da una gran fuerza a la película que se te ponen los pelos de punta. No se podía haber elegido mejor.
El tema principal de la película de la mano del artista rapero Morad. Mario Casas cuenta que eligió a Morad para el tema principal porque fue la referencia del tipo de muchacho de barrio con talento artístico que le dio a su hermano Óscar para crear al personaje de Dan, uniendo a ambos en esa fuerte conexión de expresar los sentimientos a través de la acción artística, el sueño de ser libres y volar sin alas. Por lo que no podía ser otro mejor que Morad para crear el tema principal de la película, Volar sin alas.
La canción del tráiler, que es otro temazo y me he visto negra en encontrarla si os soy sincera XD, es Suspiro tierno de Ángeles, Víctor, Gloria y Javier, del poema de La Soleá de Federico García Lorca.
Por última, destacar la canción de Chiquetete, Esta Cobardía (1990). Aparece en la escena de Vio y Dan en la discoteca, donde ambos la bailan y cantan. Como dice Mario Casas, es una mezcla de generaciones, queriendo hacer de esta forma un guiño a su propia infancia y al padre Casas, a quien le gusta esta canción.
No tengo nada malo que decir sobre el tema música porque, como ya he dicho, está muy bien seleccionada, lo que hace que conecte B.S.O con la historia llegando al espectador, hace que sea uno de los aspectos que más me han gustado de la película.
Guion
Nos encontramos ante un guion muy bien pensado, trabajado y cuidado escrito por el propio Mario Casas junto a Déborah François. Ambos han sabido trabajar muy bien para lograr enganchar al espectador desde el minuto 0. Una historia juvenil, que el propio Mario Casas ha reconocido que tiene pinceladas de Tres metros sobre el cielo y de incluso Grupo 7. Esto estaba claro desde el momento que se anunció «película dirigida por Mario Casas y protagonizada por su hermano, Óscar Casas», un regalo que el hermano mayor le hace a su hermano pequeño para darle el empujón profesional que tuvo él en su día en 3MSC.
El guion lo veo bueno, aunque ya os digo que no soy una profesional del tema, una historia bonita de tres amigos adolescentes que viven en un barrio humilde. Me gusta el comienzo de la película, lento, para mostrarnos la unión y conexión entre los personajes sin entrar demasiado en detalles que se intuyen con facilidad. El vínculo de Dan con su abuela, que con un solo gesto en una sola escena se demuestra lo que significa para él y la relación estrecha que tienen ambos, que según cuenta el director se inspiró en el momento íntimo de Morad con su madre en el programa de «Lo de Évole» en la Sexta.
Min 1:14, Morad en el regazo de su madre mientras ella le acaricia la cabeza.
Al igual que se puede apreciar la situación familiar y económica que vive Vio en su casa cuando Dan acude a ella. Son cosas que se intuyen a través de una sola escena sin entrar en detalles, por lo que eso me ha gustado, al igual que la relación de Dan con su padre y la historia de su madre, no dicen mucho pero es lo necesario para que el espectador lo intuya y se imagine que pasó, por qué su padre está en la cárcel, donde está su madre, por qué vivía con su abuela, etc. Como también la muerte de su abuela, quien muere al inicio de la película, no tiene por qué existir un «de qué a muerto», muere sin razón ninguna, sin ninguna explicación y no hace falta más, el guion no lo necesita y la historia tampoco, se puede intuir perfectamente.
La película se puede hacer lenta, porque todo el rato, por lo menos fue lo que a mí me pasó, esperas el momento que él sueña, el irse a Berlín, como aprende de los artistas y como su vida cambia por completo, el «final feliz» al que estamos acostumbrados, pero cuando termina la película te das cuenta de que eso no pasa nunca.
Me gusta como se va desarrollando la relación de Vio con Dan, la historia no es un drama romántico en ningún momento, es la vida de un chico con problemas familiares y económicos con unos sueños que se ven afectados por los traumas, miedos y demonios que giran alrededor de su padre. Por lo que la relación que va evolucionando entre los dos jóvenes es única, donde las miradas cómplices hablan por sí solas. Dos adolescentes en una ciudad grande tratando de sobrevivir sin un rumbo fijo, con miedos e inseguridades de todo lo ocurrido, ya que Dan golpea al policía del atraco para salvar a Vio, acto que hace inconscientemente. La agresividad de Dan provocada por sus traumas hace que Vio se asuste de él, aunque finalmente, con su arte le muestra que él no es así y que guarda una gran sensibilidad e inocencia pura que ella descubre al abrir su libro de dibujos y con el momento del grafiti de ella donde terminan ambos en una relación íntima.
El hecho de haber seleccionado a actores no profesionales le ha dado más verdad, pureza y naturalidad a la película. El personaje de Reno me ha gustado bastante, es el que le mete humor a la trama, adoro el momento de los dientes mientras baila con su Franchesca, de los tres amigos quizás Reno es el más «cabeza loca». Sinceramente me ha faltado más momentos con él en la película, que se hubiesen vuelto a juntar o a ver, me ha faltado más su presencia, aunque si la tiene ya que luego hablan por teléfono, es el que avisa de que su padre lo está buscando, etc. Pero aún así, me ha faltado más de Reno. También, algo que es un poco incongruencia es que si están en búsqueda y captura… llamen a Reno a su teléfono donde la policía debería de tenerlo pinchado, al igual que es raro que Dan tenga su cuaderno de dibujo y sus cosas cuando huyen desde el atraco sin nada. Pero este último es un detalle sin importancia la verdad.
Algo que no entiendo de la mayoría de las películas españolas (por no decir todas), son los intentos de violaciones o violaciones directamente. Aquí al final de la película, que ya durante la película se intuía que pasaría, el grupo de chicos del barrio de Madrid les hace una encerrona a Vio y Dan, tratando de violar a Vio y finalmente matan a Dan quien intenta protegerla. Como ya os digo, se veía venir la intención de violación ya que van apareciendo en algunas escenas preguntando por la chica donde Dan miente y dice que es su hermana, imagino que una forma de protegerla quizás, es algo que ves que al final te van a saltar por algún lado. Yo personalmente, con el tema de violaciones lo paso mal, por ejemplo la película de Tengo ganas de ti (2012), no la he vuelto a ver por la escena de la violación, no entiendo porque siempre tiene que estar presente ese tipo de violencia en el cine español, es algo que me cabrea bastante, porque antes lo podría entender (que tampoco), pero actualmente veo innecesario meter ese tema. Yo quizás, en vez de eso, hubiese metido un robo, una provocación sin sentido que esto pasa muchas veces, donde un grupo de chicos de este tipo te tienen en el punto de mira y van a provocarte sin sentido. Incluso algo que hiciese que Vio protegiese a Dan, que fuese una protección mutua y no solamente Dan (el chico) protege a Vio (chica)…me hubiese gustado ver algo de igualdad y no lo de siempre, intentan violar a tu novia y tu la proteges.
Me gusta que el protagonista muera, es un final totalmente inesperado, por lo menos para mí lo fue, quizás te esperas que a uno de los tres les pase algo o incluso a ella, pero para nada te esperas que él muera y menos de esa forma. La escena de ella tirada en el suelo cogiéndolo a él llorando y pidiendo ayuda mientras la cámara se va alejando, me pareció super bonito que te recuerda en el arte a una Piedad.
Por último, comentar el final donde vemos un tiempo más tarde a Vio trabajando en un bar de Berlín con los dibujos y grafitis de Dan expuestos a través de un proyector, cumpliendo el sueño de él. Un final super bonito, que a pesar de que él muera, su arte sigue vivo y permanece, como la de muchos artistas que no fueron conocidos en su día y tras su muerte sus obras se hicieron famosas.
Planos secuencia
Tengo que resaltar los planos secuencia, para mí, una película o serie con planos secuencia es total en todos los sentidos, vas viviendo la historia de una forma muy real, pero hay que saber hacerlos. No es fácil, ya que es una secuencia sin cortes ninguno por lo que todo tiene que estar muy bien organizado sobre todo si vas cambiando de escenario, como por ejemplo en este caso, que va de una calle a otra, ahora entra en el garito, de una habitación a otra, aparece un personaje, aparece otro… tiene que estar todo bien estructurado, actuaciones, tiempo, luces, cámara, etc. Aquí se consigue de diez, desde que empieza la película con los tres personajes (Dan, Vio y Reno) en la moto. Es lo que más me ha gustado y quería destacarlo lo primero en este apartado. Planos secuencia y movimiento de cámara genial, que me han llevado a películas como Tarde para la ira, de Raúl Arévalo.
Reparto
Por último, comentar el reparto que ha tenido esta película. Mario Casas buscaba verdad, conexión, emoción y naturalidad, por ello quiso contar con actores no profesionales, como Candela González y Farid Bechara, junto a actores más veteranos, como Francisco Boira y Marta Bayarri. Además de querer contar con su hermano pequeño, Óscar Casas, como protagonista de esta película. Me pareció genial la elección, todos hacen una gran interpretación, la que más me gustó fue Candela, muestra una verdad, una fuerza, que ha sido todo un descubrimiento, espero que se encuentre entre las nominadas a actriz revelación en los próximos Premios Goya. La conexión que consigue Mario que tengan Óscar, Farid y Candela es brutal, aunque no fue nada fácil para ellos, ya que estuvieron 3 meses de ensayos y Mario no quería enseñarles nada, por lo que han ido a ciegas confiando ciegamente en lo que les decía Mario en todo momento, además de tener prohibido verse fuera del rodaje ya que el director no quería perder la esencia y chispa que el trío había conseguido tener.
Curiosidades
Para terminar este artículo, me ha parecido interesante introducir un listado de curiosidades que han ido contando los hermanos Casas en las distintas entrevistas que han tenido que me han parecido curiosas e interesantes, aunque algunas las he ido comentando a lo largo del post.
1- 3 años y medio le ha llevado a Mario Casas hacer la película desde que empezó a escribirla hasta que se ha realizado.
2- Óscar Casas tuvo que perder 8 kilos para interpretar el personaje de Dan.
3- La firma artística que utiliza Óscar Casas en los grafitis es «Tr3s» su número favorito.
4- La escena donde el personaje de Dan prende fuego al grafiti, los hermanos Casas cuentan que Óscar se quedó demasiado cerca del fuego estando apunto de quemarse.
5- Como he comentado antes, tenían prohibido los actores verse fuera del rodaje para que no perdieran la esencia y conexión que los tres actores empezaron a tener con los ensayos, al igual que no se les permitía tener los móviles en el set de rodaje.
6- La escena intima de Vio y Dan cuentan de forma anecdótica que el director puso de fondo la canción del Titanic mientras le gritaba «¡Más!», «¡Aráñalo!», «¡Pasión!». La verdad que os recomiendo ver esta parte de la entrevista del Hormiguero porque fue muy gracioso y divertido como lo cuentan.
7- El primer día de rodaje Óscar Casas sufrió un ataque de ansiedad sintiendo que no valía para el personaje, ya que este era una persona con un estilo de vida muy diferente al suyo y tuvo miedo a defraudar a su hermano mayor quien había depositado su confianza en él para este personaje. Sintiendo a su vez, según cuenta el actor que no merecía estar ahí y tener esa oportunidad que le ofrecía su hermano mayor, lo que viene siendo un síndrome del impostor.
8- La escena en la que va Dan cantando por la calle es realmente el mismo actor cantando de verdad con el sonido real, momento improvisado durante el rodaje.
9- Para el director de fotografía, Edu Canet y la directora de arte, Núria Guardia, era también su primera película.
10- Mario Casas quería que Déborah François estuviese durante el rodaje también.
11- Óscar estuvo aprendiendo con profesionales del grafiti durante 3 meses para su papel.
12- Para el papel del padre de Dan, Mario se inspiró en la figura de Kiko Matamoros para la apariencia del personaje, por lo que Francisco Boira tuvo que raparse, afeitarse y perder peso.
13- Durante el montaje de la película, tuvieron que hacer un parón de unas 2 o 3 semanas porque Mario Casas, que a la misma vez estaba en el rodaje de Escape, no conectaba con la película que acababa de realizar por primera vez como director, llegando a un punto de estrés en el que le salió incluso eccemas en la piel, por lo que decidieron dar un respiro.
14- Mario Casas es una persona que cree en las energías, por ello cada día al llegar al set de rodaje pasaba el palo santo por todas las zonas del set.
15- Los hermanos Casas tienen pendiente tatuarse ambos unas alas en referencia a esta experiencia que sin duda los ha unido aun más como hermanos.
Conclusión
Tras hacer este recorrido conociendo los detalles de la película, debo decir que es una película de emoción, muy bien pensada y estudiada, hecha con mucho amor y delicadeza. Las miradas, el ambiente y la música es lo que habla, poco importa el argumento, es el sentimiento el que manda aquí como cualquier obra de arte, es lo que te transmita a ti como espectador. Al final son 3 años y medio desde que Mario Casas empieza a escribir la historia que le regala a su hermano, años muy intensos de miedos e inseguridades en muchas ocasiones, debido a que para la mayoría del equipo es la primera vez que se embarcan en un proyecto así, Mario como director, Candela y Farid como actores, Edu Canet como director de fotografía, Núria Guardia como directora de arte, Morad como compositor del tema principal en un film, etc. Una experiencia total en toda regla.
La dirección que hace Mario con su hermano y los chicos es genial, porque al final él es actor, ha realizado muchos papeles en diferentes proyectos y sabe lo que está bien, lo que está mal, pero sobre todo como se puede llegar a sentir el actor, por lo que él a pesar de llevarlos al límite a los tres protagonistas de esta historia, los ha ayudado y enseñado mucho. Y de esto sale una buena actuación, al final es como en el futbol, como comentaba en alguna de sus entrevistas, si no tienes buen entrenador por muy buen jugador que seas no se hace un buen trabajo en equipo, aquí pasa igual, si no tienes un buen director que te guíe, por muy buen actor que seas no vas a realizar un buen trabajo en equipo porque al final es el conjunto de todo lo que cuenta y aquí se nota el buen equipo que han creado y el buen ambiente, dando fruto a un proyectazo que puede gustar más o puede gustar menos pero es lo que es. Tiene fallos, tiene aciertos pero para mi gusto tiene más aciertos que fallos, como habéis podido comprobar a lo largo de esta publicación, teniendo en cuenta que es la primera vez de todos.
Echaba de menos el cine «quinqui», este tipo de películas españolas también más personales y más profundas, al igual de hacerme ilusión ver a Mario Casas (uno de mis actores favoritos) verlo en esa faceta de director.
Le pongo un 7 de 10 a esta película teniendo en cuenta que no soy una profesional de la rama como os dije al inicio. Sin duda, espero ver más a Mario Casas como director y, como comentaba anteriormente, a Candela González entre las nominadas en los premios Goya.
Estamos rodeados de arte. Nuestros templos y calles están plagados de cultura, de la historia que siglo a siglo se ha ido conformando y que nos ha sido legada. Vivimos en un momento en el que nuestro patrimonio se nos muestra sirviéndonos de apoyo para ensalzar y engrandecer más el origen del que procedemos. Pero, ¿sabemos valorar lo que nos rodea, siendo conscientes de que solo somos meros transmisores para los que vendrán? Al igual que ellos, que también lo serán.
El saber mantener y conservar lo que tenemos, nos hará partícipes de poder apreciar correctamente la historia y aprender de ella de una manera sana. La realidad es que en solo pocas ocasiones, gracias a las cuales mantenemos con esfuerzo lo que se tiene, se realizan las cosas con conocimiento de uso. Con esto me refiero a todo lo relacionado con una herencia patrimonial, mueble e inmueble.
Intervención de reintegración. Fotografía propia.
Intervención de consolidación en esta Imagen de culto. Fotografía propia.
Valorar lo que se tiene parte de que podamos ver más allá de nuestros fines cotidianos. El hecho de conservar, es una acción que realizamos para mantener algo que valoramos cerca de nosotros, de nuestra vida, porque nos es importante. Entonces, la acción se realiza individualmente, partiendo de la base de lo sentimental, de lo que nos resulta cercano a nuestra forma de vida y de ver la misma. Pero cuando la acción se vuelve conjunta, y los valores son los que conforman nuestra cultura, intentamos mantener al unísono el aprecio por lo que nos rodea, ya que nos hace ser lo que somos.
La importancia de conservar es necesaria, al igual que la necesidad en algunos momentos de saber mirar una intervención restaurativa. Ésta se encuentra sujeta a que sepamos ver cuándo una obra patrimonial necesita de esa ayuda, para poder seguir manteniendo su uso y función. Es entonces cuando se pone en marcha el proceso para recuperar la estabilidad estética y funcional de la misma.
Los propietarios son los primeros que tienen la obligación de actuar, y comenzar a informarse de qué hacer en estos casos. Ponerse en contacto con Conservadores-Restauradores es el primero de los pasos. A partir de aquí, se comienzan a desarrollar las recomendaciones y la propuesta de trabajo que requiera dicha obra.
Labores de estudio antes de comenzar con la intervención. Imagen de culto. Fotografía propia.
Clavos oxidados extraídos de un lienzo. Fotografía propia.
El abordar una intervención desde la base, es el comienzo de una nueva conexión que nos aportará de igual manera nuevos conocimientos a profesionales en el sector y propietarios, siendo estos datos documentales importantes para engrandecer el valor artístico y sentimental de la pieza o conjunto patrimonial. Cada obra es un mundo, igual que cada uno de nosotros, con sus características y particularidades, acercándonos a la experiencia de poder tener entre nuestras manos toda clase de valores; desde los históricos más remotos, hasta los sentimentales más familiares. Es un aporte que enriquece el significado patrimonial, y que a la misma vez consolida estructuralmente la obra, devolviéndola a sus orígenes.
Los criterios establecidos en las metodologías de actuación están regidos por un aspecto importante: el respeto al original. De esta premisa, se puede decir que hay que ser educado en este orden, es decir, hay que mantener el original de la obra sin perder nunca de vista estos límites. Saber actuar y tener esto en cuenta, es llegar a un buen acuerdo entre restaurador y propietario.
Partimos de la base de que cada obra artística fue ejecutada por un autor, y que este se basó en una determinada función para hacerla única. Es este el principal valor que hay que saber conservar. De esta manera, podremos tener algo inédito que nos mantendrá en un “punto y aparte” con respecto a lo demás existente. Como veis, es una muy buena razón para comprender el porqué hay que tener estos aspectos claros. El respeto al original, siempre tiene que condicionar cualquier actuación que se ejerza sobre nuestro patrimonio. Mantenerlo será ganar en valores.
El resto de los pasos a seguir siempre estarán supeditados a lo que la obra demande, siempre bajo unos criterios. Los estudios iniciales nos mostrarán cómo encauzar la metodología de trabajo. La información que se obtenga será determinante en la actuación posterior, situándonos en dónde encontrar el problema en concreto.
Otro de los aspectos a tratar y que sin lugar a dudas es de los más controvertidos en este ámbito, es el de culminar una restauración al máximo sin que se tengan datos de cómo fue en su origen. Como he comentado anteriormente, su originalidad es la piedra angular de toda obra artística, pero en ocasiones nos podemos encontrar con que no hay suficientes indicios que nos aporten datos para rehacer alguna parte perdida. En este caso, los profesionales de la restauración estamos obligados a no reponer esa pérdida, intentando a lo sumo matizar la zona dañada. Es necesario, y todo esto incluye una larga lucha de visiones, educar sobre estos hechos en concreto. Inventar una composición no sería conveniente, implicando un añadido de nuevas formas y colores, rehaciendo de manera imaginativa lo que pudo ser, o cambiando formas por el mero gusto estético. Tenemos que aprender a ver lo perdido, conservando lo que se mantiene como tal, y concienciarnos de que por malas acciones como el descuido, el olvido, el mal uso, o por incidente, pueden ser las causantes de pérdidas irreversibles. En algunos casos, llegándose a perder el cien por cien de la obra.
Si se hiciera uso de la reposición sin información original, no estaríamos hablando de la misma obra que fue en su origen, tanto por composición, como por estética y época, pasando a ser una obra contemporánea. Estaríamos hablando de una pérdida de valores.
Como tal, vuelvo a poner en realce la importancia de saber conservar; teniendo en cuenta una correcta conservación se evitarían problemas futuros en obras artísticas.
HABLAMOS DE CONCIENCIACIÓN
El trato en labores restaurativas, tiene que realizarse con el personal cualificado para ello. Nos encontramos multitud de casos en los que se han intervenido piezas, causando más daños que soluciones. Una vez se ha empeorado el problema, se nos hace llegar la obra con el daño añadido. Es necesario una concienciación de base en la que la obra en concreto solo sea tratada por profesionales del sector de la conservación y restauración, esto evitaría daños mayores. El preguntar es otra de las soluciones, acudir con la duda antes de actuar por cuenta propia, nos prevendría de lo que podría suceder.
Cata de limpieza en este lienzo. Fotografía propia.
Limpieza a mitad en el rostro de esta composición. Fotografía propia.
El antes de la limpieza de este «San José con el Niño». Pintura sobre lienzo. Fotografía propia.
El después de la limpieza de este «San José con el Niño». Pintura sobre lienzo. Fotografía propia.
Llegados a este punto, me gustaría hacer un inciso en el tema de las limpiezas. Se trata de uno de los procesos más curiosos a nivel estético, ya que la obra recupera sus colores originales, algunos de ellos mostrando pinceladas ocultas y tonos vibrantes. De igual manera, es un proceso complejo, cargado de estudios y pruebas, que determinará las mezclas de disolventes adecuados para su correcta limpieza. Hay que tener en cuenta que para realizar esto, hay que estar formado en cuestiones de la profesión; ya no es solo saber priorizar valores, sino tener conocimientos en química comprendiendo la composición de las obras, y sabiendo ver su “cara B”, donde se muestran a nivel compositivo. No cabe duda de que la formación en la profesión es algo ineludible para practicar estas labores; de igual manera que es la parte más vistosa de una intervención, es una de las más complicadas de ejecutar. Su importancia dentro de un proceso es crucial, para devolver las características originales a una obra artística.
Desde las distintas vertientes que hemos comentado, nos lleva a preguntarnos qué ámbitos patrimoniales deberían de estar más supervisados, hablando desde un punto de vista conservativo, y cuáles deberían de pasar por procesos restaurativos. La importancia de que un legado patrimonial, sea cual sea su índole, pase de unos a otros, debería ser el principal objetivo a perseguir, y la correcta educación de valores e ideas con respecto a estos temas, debería de ser transmitida para poder actuar en consecuencia.
Natividad Poza Poza. Conservadora y Restauradora de Bienes Culturales.
Aquí estamos de nuevo en la sección y esta vez con más curiosidades.
En esta ocasión hablaremos del fenónmeno mundial, el meme, la bomba rosa… (y aparte de que ya os he hecho un omega spoiler en el título de la publicación) efectivamente, del fenómeno Barbenheimer, que tanto ha dado de que hablar estas últimas semanas. ¡Vamos allá!
¿Nos estamos aburriendo?
Las bandas sonoras son una parte fundamental en el cine como ya sabemos todos, y es que después de la pandemia, las salas de cine parecían destinadas a desaparecer, entre los espectadores que preferían esperar al estreno en streaming, la fuente inagotable de películas clones, la saturación de mercado de los superhéroes… pero luego hay momentos en los que se recupera la esperanza.
Barbie y Oppenheimer han conseguido llevar al cine 3 y 2 millones de personas respectivamente en las primeras semanas, aumentando el número de espectadores y recaudación enormemente a las alturas de mes en las que estamos… ¡las salas se siguen llenando!
Dos bandas sonoras, un fenómeno
En la actualidad, las bandas sonoras continúan creciendo y evolucionando, de forma muy diversa. Desde orquestas sinfónicas hasta música electrónica, rap, rock, las bandas sonoras son el puente perfecto entre el espectador y la película.
Son tan importantes porque por ejemplo un compositor/artista que presente su música en una película, va a exponerse a millones de visionados en todo el mundo, si la película triunfa más oportunidades hay de que lo haga el artista también.
Además la música mueve mucha gente, si la banda sonora es buena y gusta, eso atraerá gente al cine a su vez. La música crea un vínculo emocional entre la película y la persona, si la música está perfectamente sincronizada con la escena y se mueve acorde, eso construye el momento, el suspense, la emoción, que es lo que define una buena experiencia cinematográfica, gracias a la música.
Aquí todo si es de color de rosa
Aunque Barbie no es un musical, no al menos en el tradicional concepto de musical, la directora Greta Gerwig en una entrevista dejó saber las hasta 29 películas que la inspiraron para esta.
Esta película como muchas otras se ve beneficiada de lo que se conoce como «realidad aumentada a través de la música», donde se ve puede apreciar cuando se introduce Barbieland mientras suena Pink.
La música no es solo una apertura ya que la letra misma describe lo que se está viendo, y los propios personajes también se hacen partícipes de ello.
Parte de la gracia y la magia de esta banda sonora, es que pareciera que la música viaja no solo desde la película hacia los espectadores, sino también en el otro sentido. Las Barbies y los Kens son partícipes de la música, la escuchan y participan en ella como intérpretes.
Se nota cuando al viajar al «mundo real» la banda sonora cambia de música pop descriptiva a una banda sonora más corriente, y los personajes dejan de «escuchar» la música y participar en ella.
La música de Barbie es un perfecto ejemplo de como la banda sonora puede ensalzar una película antes de que se estrene, contando con artistas como Dua Lipa, Nicky Minage y Billie Eilish.
Aparte de la bomba de marketing y el dineral invertido en publicidad en una ingeniosa campaña, la banda sonora también sirve como parte de la narración, haciendo uso aún más si cabe de los recursos musicales que ya hay.
Esto es la bomba
Siendo también una película de exceso en su propia manera al igual que Barbie, Oppenheimer opta en su banda sonora por una aproximación más clásica de la música.
Orquesta con fuerte presencia de cuerdas, especialmente violin en contraste con efectos de ordenador y sintetizador que te llevan dentro de la escena… «Robert, ¿Puedes oir la música?»
«Robert, ¿Puedes oir la música?»
La música que refleja el tono general de la película, se presta a dejar espacio y silencio durante las conversaciones para que podamos prestar la máxima atención con una sensación inquietante, pero en contraste también puede llegar a saturar la atmósfera cuando se tensa la escena y la conversación hasta llegar al máximo de la ansiedad posible.
Siguiendo las instruccion es del director Christopher Nolan, el compositor Ludwig Göransson compuso la banda sonora usando el violin como el instrumento principal. Según comentarios del compositor «Esencialmente, en lo que pienso que Chris(Nolan) estaba interesado era en como puedes tomar un violin y crear el más romático e íntimo sonido en solo un segundo, y después en un abrir y cerrar de ojos cambiar el tono y el vibrato para convertirlo en algo neurótico y horrorífico.»
Si de por si la trama no fuera suficiente, dejando caer todo el peso en conversaciones entre militares y científicos llevando la tensión de la época de una importante y terrible decisión sobre un futuro nuclear, así como los desoladores paisajes desérticos o los laboratorios donde se tiene lugar gran parte de la película.
Y justamente esto tenemos en la película, una banda sonora que te lleva a los extremos cuando el guión y el momento lo requieren, ensalzando la narrativa, cambiando el estado de las personas, dejando a los espectadores en un estado de contemplación absoluto, y todo esto sin que nos demos cuenta de que es la música la que lo consigue.
Notas🎵🎵finales
Tanto Barbie por su elenco de artistas más allá de los propios actores, y Oppenheimer, por la confianza que genera un director como Christopher Nolan, se han visto beneficiadas.
Y no queda de más decir, que esa batalla cultural de Barbie contra Oppenheimer ha sido llevada de forma muy inteligente entre ambos estudios, encauzándolo como una experiencia conjunta, más que como una guerra de rivales. De repente, el querer formar parte de la conversación ha hecho que queramos ver ambas partes.
Como siempre, se agradece que el cine y la música continúen atrayendo a gente a este mundo tan increíble.
En el vasto universo de la literatura, los libros no solo nos transportan a mundos ficticios, sino que también pueden iluminar aspectos profundos de la realidad humana. «Malas mujeres», escrito e ilustrado por María Hesse, es una obra que no solo aborda la vida de mujeres históricas y relevantes, sino que también realiza un viaje introspectivo hacia la identidad y el empoderamiento femenino. A través de sus páginas, Hesse nos invita a explorar la complejidad de ser mujer en diferentes épocas y contextos culturales, desafiando las convenciones y revelando nuevas capas de comprensión.
Imagen sacada de la página web de la ilustradora Maria Hesse. web:https://www.mariahesse.es
Una intrigante recopilación de historias femeninas
Publicado en 2017 por la editorial Lumen, «Malas Mujeres» se presenta como una encantadora colección de biografías que relatan las vidas de mujeres extraordinarias de diferentes épocas y campos de acción. María Hesse no solo destaca sus logros y hazañas, sino que también profundiza en las adversidades y desafíos que enfrentaron en un mundo que a menudo estaba en su contra.
Desde la pintora mexicana Frida Kahlo hasta la autora francesa George Sand, pasando por figuras como Virginia Woolf y Josephine Baker, el libro se sumerge en las complejidades de la vida y personalidades de cada mujer. Las ilustraciones de Hesse acompañan estas historias, añadiendo una dimensión visual que enriquece aún más la experiencia de lectura.
Homenaje a la diversidad femenina
Una característica notable de «Malas Mujeres» es la diversidad de las mujeres que presenta. Hesse selecciona figuras de distintos orígenes étnicos, culturales y geográficos, demostrando la riqueza de las experiencias femeninas a lo largo de la historia. Cada una de estas mujeres enfrentó desafíos únicos, desde la discriminación de género hasta las luchas personales, y sus historias se entrelazan para crear una narrativa poderosa y resonante.
A través de sus ilustraciones detalladas y su prosa evocadora, la autora captura los momentos clave en la vida de estas mujeres, momentos que resonarán con las experiencias contemporáneas y permitirán al lector reflexionar sobre la evolución de la lucha por la igualdad de género.
Izquierda: ilustración de la sufragista japonesa Kamoko Kimura. Derecha: ilustración de la actriz Michaela Coel en la película «Podría destruirse».
El poder de la palabra y la ilustración
Lo que distingue a «Malas Mujeres» es el enfoque único de María Hesse en la ilustración. Sus dibujos evocadores y llenos de vida complementan perfectamente las historias que narra. Cada imagen captura la esencia de las mujeres destacadas y añade una dimensión adicional a la narrativa. La combinación de palabras e imágenes crea una experiencia de lectura profundamente inmersiva que permite al lector sentir una conexión personal con las protagonistas. Estas ilustraciones refuerzan el mensaje central del libro: que cada una de estas mujeres tenía una historia poderosa y única que contar, y que sus voces merecen ser escuchadas y celebradas.
Llegados a este punto, me hubiera encantado poder hacer un apartado más elaborado con la ayuda de mi compañera Rocío, encargada de la sección de ilustración, pero por motivos que no vienen al caso ha sido imposible, así que no descartamos la posibilidad en un futuro.
Ilustración de los primeros vibradores, creados para combatir la «histeria femenina».
El desafío de las convenciones sociales
El título mismo, «Malas Mujeres», sugiere un acto de subversión y resistencia. Las protagonistas de estas historias no se conformaron con los roles tradicionales que la sociedad les asignaba. En cambio, optaron por seguir sus pasiones, sueños y ambiciones, a menudo en contra de las expectativas sociales y las limitaciones impuestas a su género. Su valentía y determinación inspiran a los lectores a cuestionar las normas y a atreverse a seguir su propio camino, independientemente de las adversidades.
Un tributo a la identidad femenina
«Malas Mujeres» es más que una simple recopilación de biografías; es un tributo a la identidad femenina en todas sus facetas. A través de estas historias, María Hesse captura la complejidad de la experiencia de ser mujer en diferentes momentos históricos y contextos culturales. A medida que exploramos las vidas de estas mujeres valientes y decididas, somos testigos de su resistencia, su pasión y su capacidad de transformar el mundo que las rodea.
Ilustración de Doña Urraca, hija de Alfonso VI.Ilustración de Britney Spears.
Conclusión
La conclusión de esta novela visual podría relatarse de muchas maneras, pero narrándolo desde mi propia experiencia diré que «Malas Mujeres» de María Hesse es un libro que no solo rinde homenaje a mujeres excepcionales, sino que también celebra la diversidad, la valentía y la determinación de todas las mujeres a lo largo de la historia. Rinde homenaje a mujeres que han sido víctimas de un sistema que las ha tachado de crueles, malas madres, villanas e incluso peligrosas para la sociedad.
María Hesse nos ofrece un relato diferente al que estamos acostumbradas a escuchar, un relato que concuerda más con las experiencias colectivas de millones de mujeres que, aún en pleno siglo XXI, hemos pasado por situaciones parecidas que nos han hecho quedar de malas, peligrosas o villanas de nuestra propia historia. El problema reside en que nunca será nuestra historia la que se cuenta o se celebre, sino la historia de aquellos más fuertes que nos ven como seres perversos. Ahí reside la importancia de esta novela gráfica, en la necesidad que ha sentido María Hesse de contar SUS historias. La de ellas. ¿Me seguís?
A través de la prosa evocadora de Hesse y sus hermosas ilustraciones, los lectores son transportados a un mundo donde las limitaciones impuestas por la sociedad son desafiadas y la fuerza de las mujeres brilla con un resplandor inquebrantable. Este libro es un recordatorio de que las historias de las «malas mujeres» son, en realidad, historias de inspiración y empoderamiento que merecen ser contadas y celebradas.
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